Le meilleur médium de la musique classique reste le cinéma. Mais, de plus en plus, les jeux vidéo deviennent un magnifique support pour les musiciens. Au fil des années, et grâce à l’évolution technologique au sein des jeux vidéo (ce qui a permis d’instaurer des « ambiances » de plus en plus présentes au sein du jeu), la musique est devenue plus qu’un simple élément lié à un produit, elle devient elle-même une production parfaitement indépendante, rythmant le jeu de telle sorte qu’il arrive parfois qu’un jeu soit créé autour d’une bande son et non le contraire.
Mais avant tout, un peu d’histoire. L’histoire de la musique au sein d’un jeu vidéo remonte aux années 1970, grâce à un accroissement de la qualité sonore des jeux vidéo. Auparavant limitées à des sonorités minimalistes, ces musiques peuvent être enregistrées par de véritables orchestres. Cependant, certains compositeurs continuent à recourir aux synthétiseurs pour leurs travaux, dans un souci d’économie. Mais, comme pour l’immersion au sein d’une histoire, la musique nécessitait également de profiter des avancées techniques.
Grâce au travail des auteurs, l’expérience de jeu a été améliorée, sans pour autant que le joueur ne s’en rende compte. Mais en quoi la musique peut-elle avoir un impact si immédiat et si important pour les joueurs ?
Le jeu vidéo est une œuvre d’art, et comme pour n’importe quelle forme d’art, il lui faut donner un ton pour qu’il développe sa personnalité. Et c’est là qu’intervient le rôle de la musique. Des sonorités rigolotes de Mario, en passant par l’ultravitesse des bruitages de « Sonic », c’est ainsi que l’on s’aperçoit de l’importance de la transmission d’un son dans un jeu. Impossible d’imaginer une musique sombre et lugubre dans un jeu de plateformes aux décors colorés. Cela serait totalement contradictoire avec le « Gameplay » proposé aux joueurs. C’est dans ce constat assez simple que l’on peut attester de l’importance de la musique dans un jeu vidéo.
Cependant, la musique ne se limite pas à une simple présence sonore. Elle sert également beaucoup à la transmission d’informations essentielles au bon déroulement de l’intrigue (de la résolution d’une quête/énigme). Les jeux de réflexion utilisent souvent ce genre de procédés, en émettant un son satisfaisant à chaque fois que vous utilisez une combinaison gagnante. Des jeux comme « The Legend of Zelda » ou « Secret of Mana » en sont de parfaits exemples :
Les jeux vidéo aujourd’hui suscitent beaucoup d’attente et notamment en ce qui concerne la musique qui permet de voyager et de véhiculer des émotions très fortes. Une narration doit obligatoirement être imprégnée d’une émotion pour qu’elle soit percutante auprès du public. La musique joue un grand rôle alors, et notamment dans des jeux où le scénario et l’ambiance du jeu semblent parfois être plus importants que son « Gameplay », comme par exemple dans des œuvres telles qu’ « Assassin’s Creed », « Last of us », « Final Fantasy » ou encore, parmi les jeux indépendants, « Proteus » ou « Journey ».
L’émotion est primordiale au sein d’une œuvre. Elle doit être exprimée de manière à être au cœur de l’attention du joueur. Par exemple, lorsqu’un personnage meurt, la musique est généralement pleine de mélancolie, arrachant ainsi quelques larmes aux joueurs et créant ainsi un souvenir impérissable dans leurs esprits : c’est ce qui permet de transformer une simple fiction en une œuvre remplie de sens.
C’est ainsi que la musique de jeux vidéo a trouvé sa place avec le temps au milieu des B.O. (bandes originales) de films reconnus comme « Pulp Fiction » ou « O’Brother » pour ne citer que deux films dans un océan de chef d’œuvres autant cinématographiques que musicaux. Elle est désormais jouée par les plus grands orchestres du monde et un « bon jeu » est désormais reconnu en partie grâce à une bande son de qualité. Le jeu vidéo ne pouvait se passer d’un art aussi magistral que la musique s’il souhaitait perdurer.
Nicolas